El Festival de Cannes ha traspasado ya el ecuador de su 65 edición -hablamos de su primera parte aquí-, y lo ha hecho dando a conocer las nuevas propuestas de algunos de los grandes pesos pesados del cine de autor contemporáneo. Uno de esos pesos no es otro que Michael Haneke, que tres años después de llevarse la Palma de Oro con La cinta blanca (2009), abrió la quinta jornada en la Croisette con Amour, un drama sobre el amor en la vejez que le ha valido el aplauso prácticamente unánime de la crítica y que muchos reivindican ya como parte indiscutible del palmarés final. Así, el trabajo de la pareja protagonista ha merecido elogios como el de Sergi Sánchez, que afirma rotundo en La Razón que “Trintignant y Riva están más allá de la entrega: no pueden existir dos actores que se comprometan más con sus personajes” y describe la película como “la historia de amor más auténtica del cine reciente”. Peter Bradshaw sigue la misma línea en su crítica para The Guardian y se refiere al último trabajo de Haneke con estas palabras: “un drama emocionante, aterrador e inflexible de una inteligencia y una intimidad extraordinarias”. El buen recibimiento de Amour contrasta con las encontradas reacciones provocadas el mismo día por Jagten (The Hunt), la vuelta de Thomas Vinterberg a la Croisette 14 años después de hacerse con el Premio Especial del Jurado con Celebración (1998). Las opiniones al respecto de la cinta se dividen entre los que alaban por su dureza y credibilidad, como el crítico David Rooney, que la describe en The Hollywood Reporter como “una historia de horror psicólogico que se agarra en cada paso a una realidad creíble”; y los que ven en ella poco más que un drama con ansias de provocación, como Luis Martínez que no se despeina cuando dice en El Mundo que Jagten es “un disparate cerca del simple telefilme sin rumbo”.
El desacuerdo entre los críticos a la hora de hablar de The Hunt se queda en nada al lado de la polarización de opiniones provocada por el maestro Alain Resnais, dque a sus 90 años ha conseguido en la sexta jornada del festival crear dos bandos muy diferenciados entre la crítica desplazada a la Costa Azul francesa, con su Vous n’avez encore rien vu. Para muestra un botón, pongamos por un lado lo que Luis Martínez dice en El Mundo: “Resulta increíble la exhibición de músculo, de fuerza visual, de un hombre que ha inventado (…) casi todo lo que hoy admitimos sin pestañear por moderno. La película no puede ser a la vez más complicada, más delirante y más virtuosa. Y, por añadidura, resplandece”. Y por otro, la opinión de E. Rodríguez Marchante para ABC: “Una de esas películas en las que conviene tener un cuarto de baño cerca… ¡qué pedantería! ¡qué aburrimiento! (…) La puesta en escena y la situación es tan creíble como el horóscopo de una revista.” ¿Hablan Martínez y Marchante de la misma película? Parece que sí, y estas visiones tan radicalmente opuestas no hacen más que aumentar nuestra curiosidad. Y pasamos de un maestro polémico a otro, el iraní Abbas Kiarostami, que lo mismo encandila a unos por su sutileza, su ritmo pausado y la intensidad emocional de sus propuestas que hace que otros se pongan de los nervios por los mismos motivos. Con Like Someone in Love, cambia de escenario y se marcha a Japón para contar una historia de amor entre una joven que se prostituye para pagar sus estudios y un anciano cliente que se queda prendado de sus encantos. El resultado es, según lo dicho por Diego Batlle en Otros Cines, una “película de gran belleza formal (pero también de una gran belleza en la exploración de los sentimientos) (…) Kiarostami sigue haciendo grandes películas en Irán, Italia o Japón. El talento no tiene fronteras.” El entusiasmo de Batlle contrasta con la frialdad expresada por Kevin Jagernauth en The Playlist, que afirma lo siguiente: “Kiarostami se pasa la película jugando con ideas acerca de la imagen y la identidad, pero desafortunadamente, Like Someone in Love carece de la profundidad intelectual de Copia certificada“.
Lejos de la controversia provocada por Resnais y Kiarostami se sitúa el surcoreano Hong Sang-soo, que con In Another Country cerró el sexto día de competición y se metió a la crítica en el bolsillo gracias a su frescura y su alegría y, también, por el buen hacer de la musa del mejor cine de autor, Isabelle Huppert. El sentir generalizado acerca de la película se podría resumir con las palabras de Neil Young para The Hollywood Reporter: “La fusión entre la reina francesa del cine de arte y ensayo y el director de culto coreano, desemboca en una divertidísima ruptura formal que une a dos mundos autoriales de forma tan extravagante como perspicaz”.
Después de tantas muestras de autoría europea y asiática, hacía falta una gran estrella. Y el séptimo día llegó Brad Pitt de la mano de Andrew Dominik para presentar Killing Them Softly, recibida por la prensa especializada con bastante barullo y provocando, una vez más, opiniones de lo más opuestas. Si Carlos Reviriego dice en El Cultural que con su nueva película se descubre a “Andrew Dominik como uno de los contadísimos cineastas con la determinación y el talento necesarios para llevar a nuevas esferas las conquistas del cine de género americano, y de ingresar así en esa estirpe de directores (vivos) tan fundamentales como Martin Scorsese, Paul Thomas Anderson, Michael Mann o Quentin Tarantino”; 
Richard Corliss se muestra mucho más templado en su crítica para Time diciendo que detrás de lo nuevo de Dominik se esconde “una película de género con pretensiones artísticas: con una pálida gama de colores, una visión adoctrinante e izquierdista de las costumbres estadounidenses (…) y demasiada dependencia del talento de sus actores”. Lejos de la oscuridad de la propuesta de Andrew Dominik, se sitúa el último trabajo de Ken Loach, The Angels’ Share, una comedia dramática que, para no desentonar con la mayoría de las cintas a concurso en esta edición del Festival de Cannes, mereció elogios como los de Allan Hunter en Screen Daily, que la describe como un “cuento de hadas social y realista, con un humor escandaloso y un dulce sentimentalismo”, y críticas como la de Sergi Sánchez en La Razón que no duda en calificar la última película de Loach como “falsa y maniquea”.
Y llegamos al día número 8 del festival con dos propuestas de lo más distintas. Por un lado la esperada On the Road, la adaptación de la novela de Jack Kerouac a cargo de Walter Salles, que quizás por lo alto que estaban las expectativas ha sido recibida con una frialdad bastante generalizada. Las palabras que Robbie Collin dedica a lo último de Salles en The Telegraph bien sirven para ilustrar lo que se ha vivido hoy en la Croisette: “A pesar de su bonito reparto y su colorido, la película pronto cae en un ritmo tedioso y circular (…). 
Ni el viaje ni el destino parecen tener importancia”. Más encendidas han sido las reacciones a la surrealista propuesta del siempre polémico Leos Carax, que llevaba desde 1999 sin dirigir un largometraje y hoy ha agitado con Holy Motors a la prensa especializada presente en el certamen, provocando tanto ovaciones cerradas como atronadores abucheos en el público. Son muchas las críticas entusiastas que alaban el riesgo y la valentía de Carax y destacan lo demencial de su propuesta. Así, Megan Lehmann afirma en The Hollywood Reporter que “Holy Motors es extraña y maravillosa, rica y rara (…) totalmente demencial”, Eric Kohn no se queda atrás y escribe lo siguiente en Indiewire: “te guste o no, Holy Motors es una extravagante locura increíblemente bella y extraña que indudablemente te marca”.
(Seguimos recogiendo las recepciones del resto de los filmes que optan a la Palma de Oro en la siguiente y última entrega.)
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